« Station Eleven » est une œuvre d’art formidable sur la catastrophe en soi, car elle reconnaît le type d’art qui résisterait et commémorerait une catastrophe.
Kirsten Raymonde (Matilda Lawler), 8 ans, appelle régulièrement les téléphones de ses parents depuis le salon d’un appartement étincelant de Chicago où elle est assise avec 2 gars adultes qu’elle vient de satisfaire au début du 2e épisode de « Station Eleven « . Les situations inhabituelles de la nuit ont involontairement déposé ce petit garçon tranquille sur un amateur de théâtre nommé Jeevan Chaudhary (Himesh Patel) et son frère, Frank Chaudhary (Nabhaan Rizwan). Une catastrophe a frappé la production de King Lear, dans laquelle elle avait une fonction mineure cette nuit-là lorsqu’un autre membre de la distribution est décédé d’une crise cardiaque au milieu d’un monologue. Sous la forme d’une grippe apocalyptique incontrôlable, elle s’est propagée dans le reste du monde.
Kirsten s’habitue toujours à son nouvel environnement, et elle a porté un mélange rare de raide, rose pâle, grand -la tenue à jupes dans laquelle elle a sauté tout au long de la scène et le manteau à rayures brillantes, le foulard en laine et les bottes moelleuses qu’elle ne supporte pas d’enlever. Son ensemble est pris entre deux mondes : la vie routinière d’il y a 3 heures, quand elle produisait Lear dans un théâtre remarquable, et le tout nouveau typique, qui la verra parcourir le pays en calèches avec une équipe hétéroclite interprétant Shakespeare. pour les 20 prochaines années. Elle était trop jeune pour rentrer seule en ville plus tôt dans la nuit. Pour survivre, elle devra faire un voyage à travers un lac Michigan gelé.
L’épidémie de « Station Eleven » fait rage. Il a un taux de létalité de 99,9 % ; un présentateur de la télévision de Frank fait état de 10 000 morts en quelques heures seulement. Le deuxième chapitre de l’unique 2014 d’Emily St. John Mandel, qui agit comme la motivation de l’émission, se termine par une évaluation sévère des probabilités : « De tout le monde au bar ce soir-là, le barman était celui qui l’a fait le plus longtemps . » Il est décédé trois semaines plus tard sur l’autoroute menant à la sortie de la ville. » C’est une véritable apocalypse qui effacera la civilisation. Dans une interview avec moi, Mandel a déclaré que l’infection qu’elle explique est difficile ; les virologues l’ont convaincue qu’un méchant petit meunier aussi agressif s’épuiserait trop rapidement pour dépasser la population mondiale. Mandel, d’autre part, cherchait un contraste clair entre le passé et les tirs ultérieurs, qui révélait un supermarché rempli et des écureuils rôtissant à la broche quelques semaines plus tard Un pivot est si précis que les cookies aux pépites de chocolat, les gadgets GPS portables et les machines qui fournissent de l’air frais à la demande disparaîtraient presque instantanément.
Les quintes de toux et les mouvements fébriles de la tête sont limités comme résultat. Malgré son crédibilité en tant que roman pandémique (les ventes ont bondi 6 ans après sa sortie), « Station Eleven » n’est qu’indirectement préoccupé par la maladie et la peste. C’est un conte de survie, un roman de reconstruction, et imaginez ce que cela pourrait c’est comme recommencer sur une Terre-monde recouverte de vigne, donc plein d’autres dans le genre. Mis à part une scène dans laquelle un hôpital est rempli de hackers, de patients prostrés et de quelques sifflements effrayants que nous entendons (et craignons), la maladie elle-même disparaît aussi vite qu’elle est apparue. C’est tout sur l’effet de débordement traumatique. Cela a à voir avec ce que nous collectons bien après que la catastrophe ait été réellement plantée, comme le reconnaît la série.
Son apparition à l’hiver 2021 semble essentiellement parfaitement chronométrée. Notre pandémie, la fatigue liée à la pandémie et l’idée de critique culturelle des pandémies et de la fatigue ont tous usé le public. Les histoires de COVID-19 se sont faufilées dans des séries composées de The Morning Program, Law & Order et Grey’s Anatomy cette année, incitant les concepteurs de tenues à s’habituer à la hâte à créer des couvre-visages clairs, il faut que toutes les beautés hollywoodiennes soient masquées par des masques en papier. Des révélations comme Curb Your Enthusiasm et Nine Perfect Strangers, en revanche, ont fait allusion au coronavirus, mais ne l’ont pas complètement adopté pendant toute la saison. Dans nos circonstances actuelles, il y a eu peu d’intérêt pour déconner–et beaucoup moins de sortie de qualité. COVID n’a pas explosé en tant que force pour une télévision convaincante. C’est peut-être à cause de la réalité que notre pandémie est souvent devenue piétonne. Les bagarres dans les cours d’école, les cloisons des bureaux et les voies de navigation obstruées ne font pas partie de l’art catastrophique mondial. Quel spectateur avide d’histoires veut voir des personnes réserver des Zooms et rechercher une projection rapide pendant cent semaines d’affilée ? Tout travail produit à cette époque doit faire face à la misère insensée de deux ans à ne pas oublier d’apporter les masques d’école de vos enfants. (Si David Foster Wallace, le baron de l’ennui, était encore en vie, il aurait certainement écrit le fantastique livre COVID.) La réflexion et la portée engendrent souvent un travail considérablement exceptionnel sur n’importe quel scénario actuel.
C’est pourquoi « Station Eleven » est si étrangement épanouissant. Il nous emmène au-delà du temps et nous fait nous accrocher à ses sauts qui s’étendent sur des décennies comme un Bill et Teds un peu moins maladroits. Il rejette la structure propre des histoires de catastrophes traditionnelles. Il abandonne les personnages et les relations pour des périodes de temps mystérieuses, puis revient avec une attention complète et étroite. Et il diffère régulièrement de sa source (normalement à son avantage) pour se délecter de ses propres sensations lâches, pratiquement funky. Nous pouvons voir la version la plus douloureuse de ce qui se passe en ce moment et apprécier le phénomène, les méta-voyeurs d’un méta-commentaire sur la façon dont les individus pourraient choisir de vivre après l’effondrement des systèmes.
Nous pouvons également imaginer quel genre d’art l’humanité s’efforcerait de maintenir lorsque la fougère quitterait les tapis des théâtres, et comment cela les lierait au monde et les uns aux autres. La hiérarchie de Maslow a été réorganisée, avec « expression de soi » placé un peu au-dessus de « abri ». Le slogan de Symphony de Prendre un voyage est inscrit à la craie sur les côtés de leurs camionnettes converties : « Puisque la survie est insuffisante. » (C’est tiré d’un épisode de Star Trek, et on s’en souvient avec le même respect que Shakespeare.) Beaucoup de post-apocalyptiques, post-pandémiques, post-le-monde-est- les histoires qui s’effondrent se concentrent sur la survie. « Mais qui mourra ? » nous nous demandons en regardant, nos doigts remuant. Station Eleven est préoccupée par la mort, mais elle la considère comme un marqueur, faisant partie des histoires que les gens créent pour expliquer comment ils sont devenus là où ils sont. Parce que des individus meurent, nous créons des histoires.
Et c’est ici que « Station Eleven » passe d’une histoire sur une panoplie d’inconfort à une histoire sur une fiction qui s’articule autour d’un récit de survie. coutumes et les asperge de poussière de fée merveilleuse et insensée. Il soutient que la vie est intense et grisante, ce qui fait que la fermeture des ascenseurs et des e-mails ouvre un espace immense à remplir de chants funèbres spontanés et d’activités créatives sans vergogne. « Station Eleven » est une œuvre d’art formidable sur la catastrophe en soi, car elle reconnaît le genre d’art qui durerait et commémorerait une catastrophe.
Les arts, qui vous pouvez obtenir des produits pour chez Blick ou B&H, sont cependant tous éteints. L’art produit est rare, c’est pourquoi le Musée des civilisations existe, « un espace qui honore la civilisation humaine et le passé » – bien que nous ne comprenions toujours pas ce qu’il y a dans ses boîtiers par le 3ème épisode. Cependant, l’art des langues, des sourcils, des foulées et des étreintes est tout à fait accessible. La Symphonie itinérante interprète entièrement les œuvres de Shakespeare, qui sont considérées comme « le meilleur » de ce que le monde a à offrir. Un accro du nom nommé Dan se lève devant les acteurs et l’équipe pour sa (troisième) audition pour le groupe et offre tout ce qu’il peut avec le discours du président Whitmore du film 1996 Self-dependant Day. « Excellente matinée, tout le monde. Un avion d’ici rejoindra d’autres du monde entier dans moins d’une heure. Vous commencerez également le plus grand combat aérien de l’histoire de l’humanité. » C’est le genre de noyau de pop-corn culturel qui obtient capturé dans vos dents si régulièrement que vous vous en souvenez 20 ans plus tard, comme les jingles publicitaires de Stouffer (« Absolument rien ne se rapproche de la maison ») ou la musique de pause publicitaire pour les matchs de la NFL du dimanche.
La chanson les options donnent des conseils sur le plaisir entièrement spasmodique du programme. « Quit the Funk » du Parlement se brise immédiatement après l’audition de Dan, d’abord comme bande originale, puis hors de la large cloche d’un tuba qu’un membre de Symphony joue alors que l’ensemble se dirige vers son prochain arrêt.
Cela se voit dans les vêtements, à la fois sur et en dehors de la scène. Le style n’est pas une décision esthétique évolutive dans ce genre de décor, c’est pourquoi les séries post-apocalyptiques reviennent régulièrement à l’absolument utile lorsqu’il s’agit de vêtements. Les membres de la Symphonie, en revanche, semblent être une bande sauvage d’animaux anthropomorphes de zoo ; le joueur de tuba, par exemple, est vêtu d’un short cargo, de chaussures de tennis et d’une chemise boutonnée, mais il porte également un fedora en paille qui se désintègre avec une énorme fleur synthétique et ce qui semble être une guirlande de boîtes de conserve autour. Les jorts d’Alex sont ornés de paillettes et de tulle qui tombent en cascade de chaque côté. L’un des personnages utilisera plus tard un haussement d’épaules en jean patchwork rebondissant qui défie le raisonnement. Cela ne la tient pas au chaud et c’est gênant de manger sur place ; elle y ressemble.
Cette folie n’est pas seulement pour le plaisir. La distribution de Gertrude et Claudius du Hamlet de la Symphonie est remplie de dentelles – probablement de vieux rideaux et nappes arrachés aux maisons des défunts – qui contribuent à la folie de leurs personnages ; ils paraissent aussi pompeux et bourrés qu’ils agissent. Une Kirsten (Mackenzie Davis) adulte s’habille en Hamlet avec des couches de manteaux bouffants serrés à la taille, avec des bras supplémentaires provenant de son dos comme une pieuvre à l’envers. C’est volontairement captivant : Claudius observe dans l’acte 1, scène 2 que « les nuages s’attardent toujours sur » Hamlet puisqu’il est vêtu de chagrin trois mois après la mort de son père, et elle récite ce discours. Il serait facile pour la Symphonie de simplement habiller leur Hamlet d’un costume noir pris, mais ils optent pour la grandeur : le chagrin d’Hamlet est tout simplement aussi grand et énorme que le leur. Il est le nuage noir.
La série modifie sensiblement le choix d’efficacité de la Symphonie (dans le roman, ils réalisent Le Songe d’une nuit d’été). Hamlet, l’histoire d’un enfant en deuil de sa mère et de son père et mettant en place des barrières psychologiques pour éviter de passer à un tout nouveau et plus dangereux régulier, frappe toutes les notes appropriées. Kirsten interprète un monologue Hamlet aussi charmant et captivant que n’importe quel autre dans un théâtre chic de Londres à la lueur des bougies, sur une scène improvisée dans un village à tentes près des Grands Lacs, avec des participants assis sur des chaises de jardin en mauvais état. Le programme transforme la calamité d’une occasion d’extinction de masse en une catastrophe privée – pour nous, pour Kirsten et pour le public assis sur les chaises de jardin – en intercalant l’insistance d’Hamlet sur le fait que son chagrin est personnel et non imposé par la culture (« Mais je avoir ce programme dans lequel passeth ;/Cependant, ce sont les pièges et les costumes d’inquiétude ») avec la jeune Kirsten regardant son téléphone sous le choc alors qu’elle lit que ses mères et ses pères sont deux des milliards de morts.
La Kirsten dans le roman de Mandel n’a aucun souvenir de l’année qui a suivi l’épidémie, alors que la Kirsten dans l’efficacité a une abondance. Si elle a décroché un rôle dans une magnifique production mettant en vedette une célébrité hollywoodienne à l’âge de 8 ans, elle était probablement une grande star ; à 28 ans, cette banque d’expériences est conservée simplement au-delà d’une porte qu’elle peut ouvrir à volonté. Cela aide également qu’à part son jeu d’acteur, la seule chose ou individu qui la relie à son existence précédente soit une œuvre d’art illustrant quelqu’un séparé du monde dont il se souvient.
Les bandes dessinées « Station Onze » est à peine expliqué par Mandel, mais la variation de la série est extravagante et pleine de couleurs : toute une combinaison de bleus marins profonds, des saignements pleine page de noirceur. C’est un morceau de tissu fibreux conjonctif, un objet peint à la main de production limitée qui n’a pas été oublié malgré sa relative inutilité dans un monde sans capitalisme. Kirsten colorie dans le théâtre pré-pandémique quand elle le voit pour la première fois. C’est une adulte allongée à flanc de montagne à la fin de l’épisode, se positionnant étrangement comme la figure paralysée et compréhensive du Christina’s World d’Andrew Wyeth, frottant les pages maintenant froissées. Un talisman, si vous voulez.
Kirsten raconte mieux avec de la peinture et des mots sur une page, imprimés dans un petit magasin de photocopie et jamais distribués, vingt ans plus tard, entouré de gens qui comprennent le particulier, inhabituel effrayant de vivre l’apocalypse. C’est le sien, et c’est beau, et ça relie un espace qui est là depuis très longtemps.
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