‘Décision de partir’ serait un crime à manquer, ‘Stars at Noon’ ne brille pas

Peu importe sa boîte à peinture, le réalisateur Park Chan-wook a le don de donner une touche de fraîcheur même aux genres les plus familiers. Ce que l’auteur né à Séoul a fait autrefois pour les thrillers d’action (Oldboy), l’horreur vampirique (Thirst) et le grand mélodrame (The Handmaiden), il le fait encore pour le néo-noir dans son dernier-né élégant et espiègle : Voici le détective blasé au centre doux et secret ; la femme fatale dangereusement séduisante; le crime apparemment parfait – et le vortex de mystère à triple croisement qui s’ensuit lorsque tout commence à se défaire.

Park Hae-Il est Hae-jun, un officier vétéran appelé à enquêter sur le cas d’un alpiniste d’âge moyen dont la mort en haute altitude semble d’abord être une simple glissade ou un suicide. Sa belle jeune veuve Seo-Rae (Tang Wei de Lust, Caution), cependant, semble étrangement insensible, presque cavalière ; en sait-elle plus que ses errances nocturnes solitaires et ses enregistrements téléphoniques ? Hae-jun n’est pas non plus un grand dormeur, et bientôt il passe des heures insomniaques sous sa fenêtre, son intérêt dépassant rapidement le strict professionnel. (Ce n’est pas qu’il n’y a personne qui attend à la maison ; il a lui-même un mariage difficile, voire malheureux.)

Avec des fioritures cinématographiques surréalistes et des cuillerées d’humour noir, Park construit un monde où les alliances changent constamment et où presque chaque instant est un motif de reconsidération : vous ne saurez pas ce que vous ne savez pas jusqu’à la dernière image, et c’est là où les vraies questions commencent. Ses protagonistes virtuoses marchent sur une ligne mince pour que cela reste ainsi, même si une grande partie de la meilleure couleur du film vient des personnages de soutien vibrants et des petits détails souples de la vie quotidienne – la maladresse persistante des petites conversations forcées, l’envie à faible ébullition de les options de déjeuner supérieures d’un collègue – qui n’ont rien à voir avec le meurtre ou le chaos. son catalogue est trop profond et trop merveilleusement bizarre pour cela. Mais c’est quand même un ravissant terrier de lapin, si vous décidez de rester. Note : B+ —Leah Greenblatt

Étoiles à midi

Dans certains cinémas maintenant

Méfiez-vous du cinéaste occidental qui se rend en Amérique centrale avec un roman de prestige à la main. Après avoir réalisé deux excellents films, le réalisateur de Pariah et de Mudbound Dee Rees a sombré avec l’obtus et surchauffé The Last Thing He Wanted de 2020, qui se déroule à El Salvador et basé sur le livre du même nom de Joan Didion. Maintenant, la reine de l’art et d’essai parisienne Claire Denis est partie et a fait son propre gâchis humide de The Stars at Noon de Denis Johnson – perdant l’article définitif de son titre et presque tout le sens narratif dans le processus.

Trish (Margaret Qualley de Maid) dit qu’elle est journaliste, bien qu’elle passe la plupart de ses journées dans un rhum nicaraguayen dangereusement déstabilisé et essayant à moitié langoureusement, à moitié frénétiquement d’obtenir l’un des ses « protecteurs » locaux pour l’aider à démêler la bureaucratie qui l’empêche de retourner aux États-Unis. L’homme d’affaires britannique aux mains douces qu’elle rencontre dans un bar d’hôtel local semble être une autre occasion d’échanger du sexe contre les dollars américains dont elle a besoin pour acheter un vol de retour, bien que Daniel (Joe Alwyn, pensif et barbu) se révèle être quelque chose de plus qu’une marque facile. Elle est en fait attirée par lui, et elle n’a aucune idée de son but là-bas au-delà d’une vague mention des compagnies pétrolières et de la philanthropie.

Absurdement, nous non plus, ce qui rend les plus de deux heures d’intrigue qui s’ensuivent à la fois incroyablement opaques et sans véritables enjeux. Pris au piège dans une ronde du jour de la marmotte, aucun d’eux ne semble pouvoir s’échapper, le couple se replie sur ce qu’il fait le mieux : boire et faire l’amour. Qualley et Alwyn se mettent admirablement à nu (littéralement; une scène mémorable implique la peinture nue au doigt dans les fluides corporels), mais il y a si peu de cohérence dans le comportement et les motivations de leurs personnages que l’histoire semble de plus en plus perdue dans une sorte de logique onirique. Des acteurs comme John C. Reilly et Benny Safdie passent pour livrer quelques lignes impénétrables, mais cela n’aide pas que l’action ait été déplacée des années 1980 vers un iPhone-et-COVID-masque moderne ; il y a une vilaine odeur de colonialisme occasionnel dans le scénario, et presque aucune de la tension et de l’esprit subversif de Denis. Venez pour les jolies personnes nues, si c’est ce que vous aimez, et le passeport par procuration ; laisser le repos confus et ridicule. Note : C– — Leah Greenblatt

Le bon combat

Diffusion des jeudis sur Paramount+

Il ne reste qu’un mois avant la finale de la série Good Fight, alors chérissons les frissons impeccablement vifs de l’épisode de cette semaine. Ri’Chard (André Braugher) appelle tout le monde à travailler un samedi pour aider son neveu malade, qui a presque reçu une greffe de moelle osseuse avant que le donneur ne se retire. C’est une intrigue à retardement qui ressemble presque à un épisode de bouteille, étant donné que le rythme effréné des poursuites et des programmes de don d’organes oblige tous les personnages principaux à travailler en étroite collaboration sur un seul cas. C’est une merveille d’efficacité narrative qui trouve de la place pour des délices loufoques, comme une affaire judiciaire jugée entièrement lors de la fête d’anniversaire d’un enfant. Braugher est un nouvel ajout cette saison, et il a surtout joué Ri’Chard avec un maximum de vantardise. Ici, il obtient des moments plus sensibles, frottant son buzz gris-fuzz dans un désespoir silencieux. Et il chante ! Note d’épisode : A —Darren Franich

Jusqu’à

Au cinéma maintenant

L’enlèvement, le kidnapping et le meurtre d’un garçon de Chicago de 14 ans nommé Emmett Till aux mains de deux hommes blancs dans le Jim Crow South sont devenus l’un des moments déterminants de l’ère des droits civiques, un chapitre singulièrement laid dans l’histoire américaine avec un post-scriptum toujours résonnant. L’histoire de Till a été racontée dans de nombreux médias depuis lors et réfractée pendant des décennies à travers le travail d’artistes allant de William Faulkner à Bob Dylan. Till, similaire à la série limitée d’ABC Women of the Movement plus tôt cette année, choisit d’aborder sous un angle unique quoique plus oblique, en centrant la mère d’Emmett Mamie Till-Mobley (Danielle Deadwyler ) et sa lutte vaillante et souvent solitaire pour trouver toute forme de justice et de responsabilité pour son fils.

Le résultat est un film réalisé avec une empathie inébranlable, et incarné avec une grâce et une férocité singulières par Deadwyler (Station Eleven, Watchmen), mais aussi plus percutant comme une vitrine d’acteur et une leçon d’histoire avec diligence que comme un drame entièrement formé à l’écran. La scénariste-réalisatrice Chinonye Chukwu (Clemency) s’écarte délibérément de toute recréation explicite de l’événement réel, confinant son récit principalement à l’appréhension avant et aux conséquences douloureuses.

Au lieu de cela, elle peint un portrait doux mais incomplet – Till était si jeune quand sa vie a été écourtée, pourrait-il vraiment en être autrement ? – d’un enfant à fossettes et exubérant (Jalyn Hall) et de la famille qui l’adore: sa mère veuve, Mamie; sa propre mère (Whoopi Goldberg, affectueuse mais sous-utilisée) ; le gentil fiancé (Sean Patrick Thomas) qu’elle est sur le point d’épouser. Ils n’ont jamais été séparés, et Mamie ne peut s’empêcher de répéter ses avertissements anxieux alors qu’il s’apprête à rendre visite à ses cousins ​​dans la petite ville du Mississippi : tais-toi, sois respectueux, fais-toi petit ; « Ils ont un ensemble de règles différent pour les nègres là-bas. »

La production et la conception des costumes évoquent impeccablement les signifiants du style du milieu du siècle, du papier peint de cow-boy dans la chambre d’Emmett aux cheveux pressés de Mamie et aux ensembles de bijoux soigneusement assortis, et la bande-son vibre avec des chansons pop enjouées et des houles orchestrales déchirantes. Ce qui manque, peut-être, dans le scénario presque irréprochable et respectueux, c’est un sens plus authentique et plus texturé de qui étaient les Tills au-delà de leur tragédie déterminante. Deadwyler, une actrice principalement connue jusqu’à présent pour ses rôles de soutien exceptionnels dans de plus grands ensembles comme The Harder They Fall, apporte une immédiateté hantée à Mamie même lorsque le scénario ne se lève pas pour la rencontrer, le chagrin et la fureur et la dignité féroce traversant son visage en vagues annihilantes. Le choix de Till-Mobley de laisser le monde voir ce que le Mississippi avait fait à son fils – elle a exigé un cercueil ouvert lors de ses funérailles – a contribué à déclencher un mouvement et a marqué l’histoire. Till en est un témoignage émouvant, même si cela laisse toute la mesure de sa vie un mystère. Note : B — Leah Greenblatt

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